Une fresque vivante et savante de la mode et de ses tendances.
La mode est un art, auréolé de ses chefs-d'oeuvre et de ses génies créateurs. Son histoire commence au XVIIIe siècle avec les robes extravagantes sorties des ateliers de Rose Bertin, première marchande de modes moderne, qui préfigure l'apparition des couturiers parisiens. Le XIXe invente ensuite la haute couture et aiguillonne la créativité débridée des XXe et XXIe siècles. On abandonne le corset, on adapte son vestiaire pour s'adonner à la vogue de la pratique sportive ; bientôt, on délaissera la jupe au profit du pantalon. La mode va devenir le lieu de toutes les audaces, que l'on expose au cours de défilés de plus en plus spectaculaires.
Olivier Saillard brosse une fresque vivante et savante de la mode et de ses tendances, examinant sur plus de trois siècles ce qui fait l'identité de chaque époque et comment évoluent les règles de l'élégance. Sous sa plume, le sérieux de l'érudition se mêle à la grâce de l'expression, faisant de cet ouvrage une archive enchantée, où l'historien des faits n'oublie jamais la beauté du pli ni la magie des étoffes.
À propos des " Singuliers " : " Bouquins " crée l'événement en lançant en octobre 2025 une nouvelle collection destinée à éclairer d'un jour nouveau son fonds inestimable. " Les Singuliers " ont ainsi vocation à accueillir les textes les plus originaux, les plus rares ou les plus étonnants du catalogue, sous la forme d'ouvrages souples de 400 pages environ, au graphisme élégant, conçu par Philippe Apeloig.
Les quatre premiers titres : Pierre Louÿs, Poésie érotique ; François Rabelais, Pantagruel ; Olivier Saillard, Une histoire de la mode ; La Table ronde et le roi Arthur. Récits du Moyen Âge.
Yuriko Takagi, photographe japonaise connue
pour ses images construites avec une attention
particulière pour les jeux d'ombre et lumière,
s'invite au sein du berceau historique de la maison
Dior, le 30 avenue Montaigne, pour apporter son
unique perspective aux créations de la maison.
Yuriko Takagi rend grâce aux créations de Christian
Dior et des directeurs artistiques qui lui ont
succédé. Elle capture les mouvements des modèles
et associe son style de photographie aux éléments
emblématiques de la maison Dior comme les fleurs,
l'adresse mythique et son architecture, et le rouge.
La photographe joue avec les toiles des robes,
les ombres, les lumières et les superpositions, créant
ainsi une atmosphère emplie d'une grande poésie.
Un dialogue se noue alors entre Yuriko Takagi
et les robes, toiles, souliers, bijoux et accessoires
de la maison Dior.
Kazuko Koike décrit avec poésie le travail
onirique de la photographe et Olivier Saillard,
spécialiste de la mode, apporte son regard sur
les toiles, qui sont devenues, à travers l'objectif
de Yuriko Takagi, des écrans de projection
des créations de la maison Dior.
Renowned for her signature draping and innovative asymmetrical dresses, Madame Grès (1903-1993) was one of the leading fashion designers of twentieth-century Paris. Formally trained as a sculptor, her complex yet delicate haute couture designs evoke ancient statuary and exude a timeless elegance.
Known as a designer's designer, Madame Grès's prime was between the 1930s and 1950s, but she also saw a comeback in the 1970s, with Yves Saint Laurent and Issey Miyake advocating for her work. A pioneer of sophisticated minimalism and of the attention and respect for the female body, she has had a lasting effect on haute couture. Her creations have inspired many of fashion's most illustrious designers including Cristóbal Balenciaga, Azzedine Alaïa, Yohji Yamamoto, and Haider Ackermann, and 1990s pioneers of contemporary minimalism Calvin Klein and Jil Sander. Her legacy continues to inspire new generations to design clothes that enhance the movement of the body without compromises.
In this book, readers discover the couture work of Madame Grès, which was beloved by an array of fashionable women including Marlene Dietrich, Princess Grace of Monaco, Jackie Kennedy, the Duchess of Windsor, and Edith Piaf. Edited by celebrated fashion historian Olivier Saillard, this volume notably features stunning shots of Madame Grès dresses displayed as works of art in the exclusive settings of the Bourdelle Museum and the SCAD FASH Museum in Atlanta.
La collection personnelle d'Azzedine Alaïa raconte non seulement l'histoire de la mode, mais aussi celle d'un savoir-faire. S'il a collectionné des pièces de couturiers français connus et bien documentés tels que Christian Dior et Cristobal Balenciaga, l'éventail de la collection est étonnant car un grand nombre des pièces de créateurs parfois oubliées dans l'histoire de la mode font partie de ces trouvailles. La présence du couturier est documentée dans presque toutes les grandes ventes aux enchères de mode. Alaïa enchérissait sur une cape Lanvin et simultanément achetait une robe de jour Carven en coton jaune et noir. Ses choix, aussi divers stylistiquement qu'ils le sont en termes de technique et de coupe, suggèrent qu'il n'était pas tant intéressé par la collection des grands noms de la mode - une grande partie de la collection est constituée de vêtements sans griffe - mais plutôt par le regroupement de pièces témoignant de l'évolution de l'artisanat et de la créativité au cours de ce siècle. Cette exposition est donc une occasion unique d'explorer l'histoire de pièces, qui après avoir été sauvées par Alaïa pendant de nombreuses années, sont désormais partagées avec le public.
Le premier homme qui songea à se couvrir inventa le vêtement ; celui qui changea de vêtement inventa la mode. Puis vint celui qui décida de mettre son nom sur sa création : il inventa la haute couture. Le grand couturier était né : Worth, le premier, au XIXe siècle, puis Doucet, Poiret, Mme Grès, Chanel, Saint Laurent, Rykiel, Lacroix, Gaultier... Autour d'eux, et pour donner corps à leurs fulgurances, s'organise le monde secret des maisons de couture avec leur hiérarchie et leur savoir-faire. Au fil des décennies, suivant les aléas de l'histoire ou les innovations technologiques, les métamorphoses se succèdent : les formes changent (avant de revenir), comme la silhouette des femmes dont la beauté est inlassablement célébrée. C'est cet univers à la fois exigeant et frivole que raconte Le Bouquin de la mode.
Conçu par Olivier Saillard et une équipe de spécialistes, ce volume comprend aussi une anthologie de textes dont les plus anciens datent du XIVe siècle et les plus audacieux du XXIe. Depuis toujours, les écrivains témoignent de la mode de leur temps ; certains se sont efforcés de la systématiser , d'autres l'ont moquée ou magnifiée. Elle est partout, se cache souvent dans le détail des accessoires, dans un sac qui prolonge le bras des filles, dans un bijou, un parfum, un maquillage. Parfois, la Mode prend la parole, et entame de savoureux dialogues avec la Vertu ou avec la Mort. Elle s'interroge alors sur ceux qui la font et ceux qui la suivent, elle, la reine du monde moderne.
Cet hommage à la maison Dior est le prolongement naturel de la collaboration entre Sarah Moon et Maria Grazia Chiuri, la directrice artistique des lignes féminines de Dior, initiée dès sa première collection, en 2016.
Il s'inscrit dans la lignée de nombreuses collaborations entre la maison Dior et de grands photographes de mode tels que Richard Avedon, Paolo Roversi ou encore Peter Lindbergh.
L'ouvrage est constitué de 3 élégants volumes d'environ 80 pages chacun réunis dans un coffret assorti.
Le premier volume présente 36 photographies en noir et blanc des créations de Monsieur Dior, mises en scène par Sarah Moon à la Fondation Le Corbusier à Paris, réalisées au cours de l'été 2021. Il entremêle photographies presque abstraites du lieu et modèles évanescents.
Le deuxième volume (43 photographies en noir et blanc et en couleurs) est consacré aux créations des directeurs artistiques de la maison Dior qui se sont succédé entre 1958 et 2015 : Yves Saint Laurent, Marc Bohan, Gianfranco Ferré, John Galliano, Raf Simons.
Le troisième volume présente un choix de 38 photographies de Sarah Moon réalisées depuis l'arrivée de Maria Grazia Chiuri à la tête de la direction artistique de Dior.
Des textes de Sarah Moon, Olivier Saillard (commissaire et ancien directeur du Musée Galliera) et de Maria Grazia Chiuri accompagnent les photographies, auxquels s'ajoutent des citations choisies par Sarah Moon de Monsieur Dior.
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In celebration of the seventieth anniversary of the founding of the house of Dior comes the first volume in a series devoted to each designer of the couture house. Dior by Christian Dior is the ultimate compendium of the most iconic haute couture designs conceived by Christian Dior. Carefully conserved in the world's great museums and institutions, these fashion treasures have been photographed and exclusively compiled for this indispensable collection.
1971 Yves Saint Laurent presented his new Collection. Inspired by the garments of the war years, it included short dresses, platform shoes, square shoulders, and exaggerated makeup. The show caused an outrage among the public. Nevertheless, the haute couture designs of the runway made their way to the boulevards, giving full sway to the "retro" trend that quickly conquered the streets.
Embodying Pasolini documents the extraordinary performance curated by Olivier Saillard and poetically brought to life by Tilda Swinton. Serving as part fashion object and part catalogue, this publication is the sole record of Swinton's critically acclaimed sold-out performance-that was by its very nature an ephemeral artwork-but also serves as a survey of the impressive costumes designed by Danilo Donati for Pier Paolo Pasolini's films. From movies including The Gospel According to Matthew, The Hawks and the Sparrows, Oedipus Rex, Porcile, The Decameron, The Canterbury Tales, and Arabian Nights to Salo, or the 120 Days of Sodom, their costumes-garments, coats, and hats-retrace Pasolini's entire cinematography, which continues to fascinate audiences almost half a century after the director's passing. The camera of German photographer Ruediger Glatz takes readers both on stage and behind the scenes of the performance, and directs their gaze to details and close-ups, intensifying the beauty and mystery of the moment. Written by Swinton and Saillard, the texts offer an exclusive perspective into the creation and realization of the performance. A passionate ode to cinematic costume design and fashion, Embodying Pasolini elevates couture to a veritable art form.
Une histoire de Pitti Uomo, le salon de la mode qui se tient tous les ans à Florence depuis 1972, et du développement créatif de la mode masculine au cours des 40 dernières années, par Olivier Saillard.
The definitive monograph on iconic Parisian designer Madame Grès, seen by her peers as the tutelary genius of French haute couture.
Renowned for her signature draping and innovative asymmetrical dresses, Madame Grès (19031993) was one of the leading fashion designers of twentieth-century Paris. Formally trained as a sculptor, her complex yet delicate haute couture designs evoke ancient statuary and exude a timeless elegance.
Known as a designers designer, Madame Grèss prime was between the 1930s and 1950s, but she also saw a comeback in the 1970s, with Yves Saint Laurent and Issey Miyake advocating for her work. A pioneer of sophisticated minimalism and of the attention and respect for the female body, she has had a lasting effect on haute couture. Her creations have inspired many of fashions most illustrious designers including Cristóbal Balenciaga, Azzedine Alaïa, Yohji Yamamoto, and Haider Ackermann, and 1990s pioneers of contemporary minimalism Calvin Klein and Jil Sander. Her legacy continues to inspire new generations to design clothes that enhance the movement of the body without compromises.
In this book, readers discover the couture work of Madame Grès, which was beloved by an array of fashionable women including Marlene Dietrich, Princess Grace of Monaco, Jackie Kennedy, the Duchess of Windsor, and Edith Piaf. Edited by celebrated fashion historian Olivier Saillard, this volume notably features stunning shots of Madame Grès dresses displayed as works of art in the exclusive settings of the Bourdelle Museum and the SCAD FASH Museum in Atlanta.
Madame Grès est réputée pour son fameux plissé souple d'inspiration antique, obtenu avec une étoffe en jersey de soie. Après avoir habillé les comédiens au théâtre pour Jean Giraudoux, elle séduit tout le milieu de la mode des années 1950. Cet ouvrage illustré de photographies et croquis reprend l'édition française publiée par Paris Musée en 2011, désormais épuisée.
Germaine Krebs (1903-1993) ouvre sa propre maison de couture à l'enseigne de Grès (anagramme du prénom de son mari, le peintre Serge Cezrefkov) en 1941, après avoir été l'associée en 1933 d'Alix Barton.
Plus connue sous le nom d'Alix, la maison se fait remarquer par de remarquables tenues de plage. Dès ces années là, Alix se distingue par l'utilisation de matériaux comme le jersey de soie que la couturière drape à l'antique. Madame Grès n'abandonnera jamais cette recherche minutieuse qui de petits plis en petits plis fixés construit des robes savantes, inoubliables. L'extrême longévité de la Maison Grès n'a d'égale que l'autonomie de création et le caractère obstiné qui caractérise les modèles, manifestes de haute couture plus que de mode.
Madame Grès, est au-delà des modes. Elle se voulait sculpteur, ne cessera-t-elle jamais de répéter. « Je voulais être sculpteur. Pour moi, c'est la même chose de travailler le tissu ou la pierre ». Ses robes, asymétriques souvent, drapées à l'antique, ou volumétriques quand elle use de la faille ou du taffetas sont à ce titre des sculpteurs molles pour le corps. Constante en dépit des engouements, des modes subites, Madame Grès fait figure d'artiste au sein des métiers de la haute couture qu'elle préside en qualité de présidente de la chambre syndicale à partir de 1972.
Ses robes du soir presque toujours monochromes dans une gamme de ton éteints bien à elle, traversent le XXe siècle sans s'altérer. Ainsi dans les années 70, ses créations sont encore très largement publiées dans Vogue, photographiées par Guy Bourdin par exemple. Ses ensembles de jour, injustement méconnus du grand public font référence chez les couturiers et les créateurs d'aujourd'hui. Maître de la couture au même titre que C Balenciaga ou M Vionnet, Madame Grès n'a pour autant jamais eu d'exposition monographique à Paris.
Il s'agit de présenter la première rétrospective consacrée à Madame Grès, dans le cadre de Galliera Hors les Murs et particulièrement au musée Bourdelle, un musée-atelier dans lequel ses robes sculptées trouveront, plus que nul par ailleurs une place naturelle et légitime.
Ever since the 1860s, when Charles Frederick Worth launched a "golden century" of dressmaking, Parisian haute couture has been a source of admiration and fascination, whilst its emphasis on exquisite design and meticulous craftsmanship has put it at the forefront of the fashion industry.
This chronological study traces the history of the esteemed couture houses of Paris, examining the role of the designer and the extraordinary craftsmanship behind the finished creations, the importance of haute couture in Parisian culture, and its influence in the wider international fashion industry.
Particular attention is paid to the dualities present in modern haute couture-its sense of exclusivity and quasi-mythical mythical aura countered by an everincreasing reach into popular consciousness through perfumes, branding, and the media spectacle of fashion shows.This volume is richly illustrated with images of pieces created by truly exceptional designers.
Various incarnations of Chanel's timeless, classic quilted handbag, Fath's charminglypatterned silk scarves, and Poiret's elegant perfume bottles demonstrate that haute couture encompasses far more than just clothing. From the delicate embroidery on a Worth garment, to the sculptural creations of Madame Grès, Parisian haute couture is a constantly evolving art. Fascinating archival photographs invite the reader into these exclusive Paris establishments, allowing us to glimpse the rarely-seen world that is Parisian haute couture.
Cette histoire idéale de la mode contemporaine présente les collections les plus magistrales ou expérimentales des quarante dernières années. Dans ce panorama chronologique défilent les années 1970 au croisement constant de l'innovation et de la citation qui voient naître le terme de créateur; puis les années 1980 qui mettent "la mode à la mode". Le minimalisme des années 1990 annonce le siècle nouveau et le retour de l'ornement. Olivier Saillard a sélectionné cent vingt défilés dont l'inventivité et le style témoignent d'un travail d'auteur au détriment des logiques de marque qui régissent l'industrie de la mode. Par des notices précises et enlevées, il définit les lignes de force de quatre décennies au travers d'une cinquantaine de créateurs depuis la scandaleuse et déterminante collection de Yves Saint Laurent en 1971 jusqu'à Jean Paul Gaultier, Martin Margiela ou Nicolas Ghesquière pour Balenciaga. Un défilé des défilés aussi documenté qu'argumenté soutenu par une iconographie époustouflante.
Pour la première fois, le Palais Galliera expose la garde-robe exceptionnelle de la comtesse Greffulhe (086o-1952). De la fin du Second Empire aux Années folles, son influence s'étend sur le Tout-Paris artitique, scientifique ou politique. Qu'il s'agisse d'aider Wagner ou les Ballets russes à se produire, de soutenir les recherches de Marie Curie ou d'Edouard Branly ou de défendre le capitaine Dreyfus et le Front populaire, la comtesse Greffulhe et une redoutable femme d'affaires, doublée d'une mécène passionnée.
La comtesse Greffulhe et également admirée pour sa grande beauté, sa silhouette élancée et son élégance excentrique. Celle qui inspira à Marcel Proust le personnage de la duchesse de Guermantes dans A la recherche du temps perdu met en scène ses apparitions, sachant se faire rare, fascinante dans ses envolées de tulle, de gaze, de mousseline et de plumes. Enrichi d'essais inédits, cet ouvrage présente une cinquantaine de manteaux, tenues d'intérieur, robes de jour et du soir, griffés Worth, Fortuny, Baba ni ou Lanvin, accompagnés d'accessoires, de portraits et de nombreuses photographies.
Autant d'invitations à la mode retrouvée, à la rencontre de cette femme d'esprit à l'allure incomparable.
Un dialogue entre deux couturiers sculpteurs de robes qui ont, chacun à leur manière, fortement influencé le monde de la création, entre art et haute couture.
Silencieuse et secrète, déterminée jusqu'à la réclusion d'une vie tout entière passée à l'atelier, Madame Grès se voulait sculptrice. Tout à son oeuvre concentré, avec l'obstination des maîtres infatigables, se refusant aux excès médiatiques de sa profession, Azzedine Alaïa avait de même étudié la sculpture à l'école des Beaux-Arts de Tunis. Cette ambition partagée ne fut pas corrompue par les métiers de la couture auxquels ils se consacrèrent avec tant de singularité et de succès. Elle vint magnifier au contraire l'exercice du drapé pour l'une, celle de la coupe pour le second au point de les situer comme les fils à plomb de l'histoire de la mode.
Si rien ne peut attester que les deux couturiers se sont croisés, leurs créations se sont rencontrées à n'en point douter. Apôtres d'une certaine forme de dépouillement, les créations de Grès ou d'Alaïa, d'une apparente simplicité dissimulent une complexité extrême parfois de coupe et de conception. Guidés par le tissu qui gouverne leurs dessins et leurs choix, recueillis des semaines durant dans la décision d'un volume de robe à couper, assurés dans l'élection des couleurs monochromes, du noir intense et du blanc plâtre favoris, les deux couturiers ont épousé une communauté de création et d'esprit.
Les drapés que Grès avait érigés en art total depuis les années 1930 s'incarnent dans les robes longues, fluides et plissées d'Alaïa. Le jersey adoubé par la première se traduit en maille et en matériaux souples chez le second. L'exigence des proportions, la rigueur de la coupe qu'il s'agisse de modèles pour le soir ou pour le jour les unit.
« Dès que l'on a trouvé quelque chose de caractère personnel et unique, avouait Madame Grès, il faut l'exploiter à fond et en poursuivre la réalisation sans s'arrêter et jusqu'au bout ». À cela, Alaïa répondait des années plus tard : « Lorsqu'une idée s'impose à soi, il faut s'en saisir au lasso, tourner autour et ne pas en déroger ».
Ce catalogue paraît à l'occasion d'une exposition inédite associant les oeuvres de Madame Grès et celles de Alaïa. Fédérées selon leur principe formel, leurs recherches de coupe, les accords de tissus ou de couleurs qu'elles embrassent communément, les robes du soir ou de jour des deux couturiers convient le visiteur à une leçon au-delà des modes. Intemporelles pour l'une, hors du temps pour l'autre, les créations exposées au nombre de 60 restituent le dialogue de Grès et Alaïa, deux obstinés solitaires devenus sculpteurs de robes.
Publié à l'occasion de l'exposition éponyme à la Fondation Azzedine Alaïa, Paris, en 2023-204.
